Ana Cabral Martins

Sure, plenty of exciting products parade across our desks every day—we're not bragging, stay with us—but there’s something to be said for those certain standbys that go missing immediately upon making their way into the office. We're talking about every tube of Elizabeth Arden Eight Hour Cream—just as quickly as a few arrive, they’re ever so slyly swept into one of our handbags/desk drawers/apartments.

For those of you who've never encountered the white and red tube in the hands of your grandmother, mother, best friend, or favorite makeup artist (we’re looking at you, Pat McGrath), let’s get one thing clear: Eight Hour Cream is not actually a cream… It’s a balm, now available unscented or in the classic citronella version, and it can be used for just about everything. Don’t believe us?

Ms. Arden (her name was actually Florence Nightingale Graham) was known, on occasion, to dab some of the ointment on her horses' bruises, and legend has it, the “eight hour” title comes from one happy customer’s experience healing her son’s scraped knee with a smear of the stuff in that exact window of time. Healing properties or not, the apricot-tinted, glossy balm has a definite beautifying effect, whether applied to your cuticles or your eyebrows—use it anywhere you would use Touche Éclat—and maintains the title as the World’s Sexiest Lip Gloss, but, again, don’t take our word for it:

Bibi Cornejo Borthwick lives by her grandmother’s rule that “if there’s ever anything wrong on your body, just put that on,” which includes, for Tabitha Simmons, sunburns and subsequent peels; for Swedish beauty Helena Carlberg, dry skin; for ITG's Alessandra, dry hands; and, for ITG’s Elizabeth, overnight lip moisture replenishment. Yes, it has a nostalgic hold on our hearts—the petrolatum, beta-hydroxy, and vitamin E cocktail was whipped up in the 1930s, and for so many of us, including Annabelle Dexter-Jones, was among our first beauty-product memories—but it feels more relevant than ever applied as a devil-may-care eye shadow with a “dewy sheen." (Jessica Stam agrees.) In sum, we count ourselves among the masses who, like Vogue's Kelly Connor, find Eight Hour Cream "seriously addicting.” Use it liberally, anywhere you please. And if you've discovered other uses than those mentioned here, do tell. Please.

Photos by Elizabeth Brockway.

I’m doing some serious meeting-hopping today…

Which means I’ve traded heels for flats!

Not to mention it’s super hard for me to wear heels in the summer! ;)

PS: These are Phillip Lim!

Já não me lembro de quando foi a primeira vez que ouvi falar/li sobre a Cherry Bombe. Provavelmente, há-de ter sido no Instagram de alguém (isto é,uma das 825 pessoas que sigo, das quais não conheço 3/4, mas sinto que são as minhas melhores amigas). Pensamento imediato? Tenho de comprar esta revista. Na altura, achei-a bonita, o que vim depois a descobrir ser muito, muito redutor.

Os temas centrais da Cherry Bombe são também os meus dois temas favoritos no mundo inteiro no que toca a livros, artigos, revistas e canções: comida e o feminino (mulheres, miudas e o nosso mundo). Descobri a minha veia feminista há relativamente pouco tempo – tarde demais, diria – quando percebi que feminismo não é sinónimo de guerra com o sexo masculino, desprezo por maquilhagem (e/ou sexiness no geral) ou um territorialismo extremista no que toca ao nosso espaço na sociedade. Bom, mas isso seria matéria para outro post: escrito – espero – por quem tenha um maior entendimento e consequente melhor expressão e eloquência sobre o tema.

Mas, vá, onde é que eu ia? Ah! Mulheres e comida!

O nome Cherry Bombe nasceu da combinação de uma canção da Joan Jett  com a sobremesa francesa que tem o mesmo nome. A revista, bem a propósito, procura celebrar comida e – atrevo-me a dizer – sobretudo as mulheres que a fazem, que a vendem e a servem, que a pensam e a apreciam (eu! eu! eu!). O mote desta edição centra-se nas “tastemakers”:  uma espécie de trendsetters dos sabores (e não só): desde empresárias da restauração, enólogas, chefs, bloggers, artistas e modelos que sabem fazer bolinhos (Hey, Karlie, girlfriend!).  Mulheres que gostam de comer, que gostam de cozinhar e, às vezes, até vivem disso. Sempre de uma forma sexy, que nos faz sonhar com aquele “Miel Maritime Baratté” da página 23, da mesma forma que desejamos uma carteira PS1, ou que nos faz invejar tanto o trabalho da food stylist Victoria Granof como o de Emmanuelle Alt na Vogue Paris.

Em Lisboa, não a encontrei à venda (que surpresa!) mas o meu feed de Instagram estava inundado de imagens desta revista-desejo. TENHO. DE. A. TER.

Assim que me apanhei em Nova Iorque (nota: não queria ser pedante, e peço já desculpa por estar a sê-lo. Nas últimas semanas, sem conseguir evitar, muitas das minhas frases começaram precisamente assim: “Em Nova Iorque…”. Aqui apelo à vossa compreensão: é um cliché, eu sei, mas tal como toda a gente no mundo inteiro, eu não fui imune ao feitiço que aquela cidade nos lança), comprei-a mal a vi, num quiosque de esquina!

Fui para um parque, onde a li de uma ponta à outra (na diagonal, ok!), enquanto esperava pela minha mesa num brunch muito bem-afamado — e com uma fila de espera de hora e meia. Quando me enviaram um sms a indicar que havia chegado a minha vez, já estava completamente dentro do espírito que se quer, isto é, sentia estava a uma refeição maravilhosamente confeccionada de ter a uma vida feliz, harmoniosa e resolvida. Já de barriga cheia e também com a revista na mão, passeei um pouco, comprei um copo de limonada por $1 a um miúdo que a estava a vender à porta de sua casa (Lemonade Stand!!!!) , fui à feira da ladra, vi as vistas e jantei fora. O resto do meu dia foi, portanto, passado com o meu mais precioso tesouro na mão. Até que, já às 2 da manhã, cansada, apanhei um taxi para casa. Assim que meti às chaves à porta, senti-me 300 gramas mais leve. Sim, a revista tinha ficado esquecida no banco de trás de um taxi que nem sequer era amarelo (malditos copos de vinho).

Desconsolada, voltei ao quiosque na manhã seguinte.

Esgotada.

Outro e outro. Nada.

Até que, na véspera de voltar a Lisboa, triste, zangada comigo, mas já resignada com o facto, encontrei-a (num monte de 20). AHHHHHH!

Esta história toda, muito sobre mim e pouco sobre a Cherry Bombe, serviu para vos aborrecer de morte mostrar o meu enamoramento por estas 170 páginas de fotografias lindíssimas e design impecável em papel de gramagem respeitável, repletas de colaborações que não imaginava possíveis, textos suculentos e uma lista de receitas e restaurantes a não perder.

Houve uma altura em que o mundo da comida não se misturava com o mundo da moda, a não ser que fosse para partilhar a última dieta sensação. Isto está a mudar, e eu não podia estar mais feliz.

Our latest studio product packaging crush? Kjaer Weis makeup.

We love love love these little red boxes! Inside? A super mod silver compact.

Added cool factor: they are refillable– yep, even the mascara. That pretty packaging will be able home to your favorite shade for, well, forever…

Esta é a primeiríssima colaboração do Mashnotes com alguém de fora. Digam “olá” ao Rodrigo Nogueira.
Demos-lhe carta branca e ele escreveu-nos um bonito texto. Esperamos que gostem tanto como nós (muito).
E nas sábias palavras dos Beastie Boys: Hey Ladies!

Adoro o Bridesmaids do fundo do coração (tanto que me recuso, como acontece tantas vezes, a usar o título em português – A Melhor Despedida de Solteira – para me referir a ele). É bonito e hilariante, tem personagens óptimas, um elenco virtualmente perfeito, uma boa história e algumas das minhas pessoas cómicas favoritas de sempre ao barulho (quer seja atrás ou à frente das câmaras). É possível que já tivesse visto antes a Melissa McCarthy em sítios, mas nunca a tinha visto assim, por isso dou crédito ao filme por ma ter dado a conhecer.

Talvez eu estivesse, mesmo antes de o ver, há dois anos, predisposto a gostar do Bridesmaids porque, sem sequer entrar no facto de ter sido produzido pelo Judd Apatow (e há muitos maus filmes que o foram), foi realizado pelo Paul Feig, alguém que, por ter criado o Freaks and Geeks (mais uma vez o respeito: nunca me ouvirão a chamar-lhe A Nova Geração), a série que me fez interessar-me a sério por televisão, comédia no geral e sentir que, apesar de isso estar muito distante da realidade, eu ganhava qualquer coisa em ver toda a gente que estava envolvida nela a singrar na vida (a árvore genealógica de objectos que me dizem muito saída da malta da série assusta-me, do Superbad ao Enlightened, passando pelo Knocked Up e o The Muppets). Mas a verdade é que o Feig tem três filmes anteriores e nunca tive curiosidade de os ver – se bem que este pareça ser aquele em que ele teve mais responsabilidade criativa.

Mas a verdade é que gosto do filme, e mal posso esperar por Setembro, altura em que – mesmo sabendo que chegará cá com uma tradução ridícula, em que quase nada do que é dito terá correspondência com o texto das legendas –, se tudo correr bem, se estreia The Heat, o buddy cop movie que o Feig fez, escrito pela Katie Dippold (cujos créditos incluem Parks and Recreation, série que abandonou para trabalhar nisto) e protagonizado pela Sandra Bullock (e não, não tenho grande apreço por ela, mas tudo parece indicar que isso é um mal menor) e a Melissa McCarthy. Dois anos depois do Bridesmaids, o filme parece ter voltado a “provar” (como se isso fosse necessário) a estúdios que: 1) mulheres podem ter piada (é uma não-questão, óbvia para mim e qualquer pessoa com dois dedos de testa, mas que continua a ser infelizmente posta)*; 2) pessoas pagarão para ver mulheres a ter piada em ecrãs de cinema, porque ninguém vai morrer se isso acontecer. O problema é que é raro isto acontecer em moldes Hollywoodescos. Tanto antes do Bridesmaids quanto do The Heat, vários projectos de filmes foram rejeitados ou postos de molho pelos estúdios porque queriam ver se aquilo corria bem, só que, mesmo depois do sucesso, continuavam sem acontecer. É triste, quase tão triste quanto só haver espaço para homens (e, neste caso, um homem específico) realizar este filme.

Será estranho eu gostar destas coisas? Para começar, nunca fui madrinha de casamento de ninguém, nunca tive um negócio de cupcakes, nem sei o que é fazer parte de uma amizade entre mulheres, porque, lá está, sou um homem. Não devia sentir a minha masculinidade ameaçada por gostar de um filme de (apesar de ter sido realizado e produzido por homens, foi escrito pela Kristen Wiig, a protagonista, e a Annie Mumolo, parceira criativa dela) e para mulheres (e, já agora, não, não sinto, e isso não é um problema a sério)? Há quem pense assim, e especialmente em termos de quem manda no mundo (gente misógina até ao tutano, mais ou menos abertamente, mas que nunca foi confrontada na vida com a palavra “misoginia”), o que é mais do que um bocadinho de nada triste. São pessoas que acham que, por ver um episódio de Girls (mais Apatow!), vão tornar-se de repente mais femininas, como se isso fosse realmente acontecer e fosse um problema enorme**.

É capaz de ser por causa de gente desta, que só vê filmes ou séries (e aqui foco-me sobretudo no caso americano) se forem protagonizados por homens com miúdas “giras” e “boas” debaixo do braço e pouco mais, existem, além de poucas realizadoras, poucos filmes em geral em que duas mulheres falem uma com a outra sobre algo que não seja um homem. Haver cenas assim deve, à partida, mostrar mais ou menos que não são definidas enquanto pessoas só pela relação que têm com os homens (quando o contrário acontece em todos os filmes). O Bechdel Test (já que estou a falar de americanos, também me vou abster de traduzir para “teste Bechdel”) é um teste no qual os filmes só passam se tiverem cenas assim, em que mulheres falam umas com as outras nesses moldes. Foi mais ou menos proposto pela Alison Bechdel numa banda desenhada em 1985 (mas tem obviamente antecedentes) e algo que, se lhe dermos atenção, começará a deprimir-nos quase sempre que virmos um filme (são tantos os casos em que não se passa no teste que quase tenho vontade de pôr o punho no ar e dizer “fuck yeah!” quando isso acontece)***.

Não quero parecer um tipo a fazer mansplaining (um dos meus maiores medos ao escrever isto), muito menos achar que o Bechdel Test é definitivo ou prova realmente se um filme é misógino ou não, mas se calhar é preciso as pessoas terem noção das coisas. Não numa de tokenism, mas mais numa de ter consciência. Muitas vezes, em filmes, personagens que não têm grande especificidade de género ou sequer de etnia podem não ser homens brancos, não? As pessoas que o herói – também é preciso haver heroínas, gays, etc. a protagonizar filmes, mas é algo que fica para depois – encontra pelo caminho, que o ajudam a atingir os seus objectivos, podem ser de todo o tipo, não? Quando um filme como o Fast Six (de uma saga que se tem tornado cada vez melhor quanto mais diversidade tem abraçado no elenco que não pára de crescer), que deveria ser, à partida, ultra-machista, tem mais mulheres e minorias que são personagens fortes e badass do que muitos outras coisas que deveriam ter mais juízo, é um bocadinho de nada triste, não?

O Rob Delaney, um cómico que adoro, diz muitas vezes em entrevistas que, se alguém tem só piada para homens ou para brancos não tem realmente piada. É preciso ter piada em todo o lado. Por muito porcas que sejam algumas das coisas que ele diz, tenta sempre ser o mais inclusivo possível (ler o que ele escreve sobre o aborto, por exemplo, mostra como tem o coração no sítio mais certo que há), não rebaixar ninguém e não desrespeitar a essência de cada género. Faz-me sempre confusão que homens/mulheres se portem de maneira diferente quando estão só com homens/mulheres ou com os dois ao mesmo tempo. Infelizmente, é comum os filmes também entrarem por esse caminho. Talvez seja por isso que não se estranha que haja poucas mulheres nesse mundo: são feitos por e para homens, mas acabam por ser vistos por toda a gente. Só acho que seria fixe que também fossem feitos por, e para, toda a gente.

* Pensa nas pessoas com menos piada que alguma vez viste a ganhar a vida a fazer as pessoas rir. É provável que muitos deles fossem homens, não? Nenhuma pessoa sã diria que, porque um dia viu um homem a tentar ter piada e a falhar, nenhum homem tem piada, mas o contrário acontece: uma pessoa um dia vê uma mulher que não tem piada e acha que nenhuma mulher tem piada.

** Isto já para não falar de quem rejeita coisas como o Girls, e talvez qualquer coisa com a Melissa McCarthy, porque nem a Lena Dunham nem a McCarthy são “giras” ou “boas” – o que é altamente subjectivo e talvez o pior critério para se querer ver o que quer que seja na vida –, e de não se aceitar o facto de a Hannah Horvath, do Girls, ser uma pessoa menos do que perfeita, quando se vive na boa com homens cheios de falhas em ficção televisiva, há um diálogo do Adam sobre ela que ecoa sempre na minha cabeça: “I’m a difficult person. Everyone’s a difficult person. She was accepting of my brand of different. She was okay with it”. A Julie Klausner, que é das minhas pessoas favoritas no geral (seja nos livros, no podcast, ou nos vídeos) disse isto numa entrevista no final de 2010 (meses antes do Bridesmaids, um ano antes do Girls):

“What do you hope to see from ladies in comedy in the future?
New voices, character work that is inherently female in origin–meaning, comedy that comes from how women think and act, that doesn’t just come from the mind of a man who’s paid to write dialogue for a woman who can do a funny voice–and ideally, a greater diversity in shapes, sizes, race, etc. I want the funny best girl friend in comedy movies to be every bit as fucking fat as the leading man. And I want to see Jewish chicks fucking blonde guys in their movies, because why should Woody Allen and Judd Apatow have all the fun? WASPs and Irish Catholic guys are hot, and believe me, we are every bit as neurotic as our semitic male counterparts in this department.”

*** Dos filmes grandes deste Verão, há muito poucos que passem esse teste (o The Heat passa, o The Wolverine também, o Star Trek e o Pacific Rim e os outros todos não). Há um site que lista tudo (não é a coisa mais fiável do mundo: a memória falha às pessoas quando saem do cinema) e o Vulture, da New York, tem sido incansável a falar sobre isto tudo. Já agora, eu sei que alguns dos filmes mencionados ao longo deste texto também não passam. O caso na televisão, tanto em termos de gente atrás das câmaras quanto em termos bechdelianos, é bem mais animador (já acabaste de ver o Top of the Lake e o Orange is the New Black? Se ainda não, por que raio estás tu a ler notas de rodapé na internet?), mas mesmo assim não é ideal, continua a ser um problema.

O Rodrigo Nogueira tem uma barba e gosta de escrever e ter muitas opiniões sobre cinema, televisão e comédia. 

Escreve regularmente aqui e apresenta um anti-talk-show online aqui ou aqui.

Just over a week ago at Comic Con we got a peek at this middle of the third season of Sherlock, starring Benedict Cumberbatch and Martin Freeman. We also learned a bit about how the season begins. But what we didn’t know, until now, was the name of any new actor who’ll be making trouble for Sherlock and Watson this time out.

Now we’ve got a name, for both the character and the actor. We’ll keep all the details after the break; read on for a tantalizing glimpse at the next season.

First up, the show’s Comic Con panel told us that the third season begins with Watson and the other people around Sherlock coming to terms with the fact that he isn’t quite dead after the season two finale. That he’s not dead is hardly a spoiler to us — can’t very well have a new season without the title character, right? — but the characters in the show are a bit more surprised at the news.

But there’s more going on than just that, of course, and there’ll be at least one new villain facing Sherlock Holmes in this season. Producer Sue Vertue announced him via Twitter today. The actor is Lars Mikkelsen — older brother of Mads Mikkelsen — and his character is Charles Augustus Magnussen. That name is leading some to wonder whether or not he’s a version of the Arthur Conan Doyle character Charles Augustus Milverton, called “king of the blackmailers” in the story ‘The Adventure of Charles Augustus Milverton.’

Here’s who you’ll see when the show starts up again:

Sherlock's new nemesis – introducing Lars Mikkelsen as Charles Augustus Magnussen. #sherlock pic.twitter.com/PyEkESbXyx

— sue vertue (@suevertue) July 29, 2013

The third season of Sherlock will hit the US in early 2014, after a likely bow in the UK late this year.

• Watch the ‘Sherlock’ Panel Introduction From Martin Freeman and Benedict Cumberbatch [Comic Con 2013]
• ‘Sherlock’ Planned to Continue Into a Fourth Season
• ‘Sherlock’ Season Three Starts Filming Next Week; Will Likely Air Winter 2013
• BBC ‘Sherlock’ Confirmed For Third Season
• 2013 Golden Globe Nominations Highlight ‘Zero Dark Thirty,’ ‘Django Unchained,’ ‘Lincoln’
• ‘The Hobbit: An Unexpected Journey’ Trailer: After Many Trials, Peter Jackson Returns to Middle-Earth

Guys, if I could have your attention please. Sad News Bears, I’m sure, but this will be my last week at Videogum. I’ll write an actual goodbye post on Friday, as one does, and please know that this was my own decision and not an easy one but so save your tears for someone who deserves it. There are people dying out on these streets! But obviously, this is a big deal, at least for me. And I didn’t want to wait until the very last minute and just drop it on your heads like some proverbial microphone before I e-stormed off the iStage. You deserve better than that. You deserve everything. Anyway, if this IS our last week together, and it is, I just told you that it was, at least here, then let’s make it a fun one, right? Let’s really blow the roof off of this week. BECAUSE THAT IS WHAT A FAMILY DOES! #factsonly

It is still Diana Vreeland’s birthday and therefore reinterpreting the second most salient feature of her popularity is one fairly easy and highly enjoyable way that we can continue to distill her transcendent influence.

For the uninitiated or likewise the confounded, Diana Vreeland notoriously penned a column for Harper’s Bazaar from the years 1936 to 1962 titled, Why Don’t You? In it, she would pose her most urgent, creative, outlandish and sometimes downright preposterous questions. Examples of such included: “Why don’t you paint a map of the world on all four walls of your boys’ nursery so they won’t grow up with a provincial point of view?”, or “use a gigantic shell instead of a bucket for your champagne?”.

Often these questions were deeply inspiring, (“Why don’t you cover a big cork bulletin board in bright pink felt, banded with bamboo, and pin with colored thumb-tacks all your various enthusiasms as your life varies from week to week?”), and may or may not have elicited some of the most prominent designer markers we have today (“Why don’t you wear black leather mules with red leather heels?” – Christian Louboutin, anyone?). But regardless of the genre of question, her delivery was always the same: a deadpan sense of why-haven’t-you-answered-my-question yet? One not unlike yours might look while ceaselessly seeking a bathroom but finding no help in locating the excrement drop-off. This, even if Vreeland was loitering behind the pages of her magazine.

Long over are those days though which is why injecting it with some millennial relevance seemed like the only surefire way to continue celebrating the centenary. Above you will find several slides masterfully photoshopped by one Charlotte that ask the age-old, trend-shattering, rule-breaking question: Why Don’t You?

In order:

Why don’t you…

Wear your childhood stuffed animal on your head as a hat? (Though this photo is of me and comes from the Blah-Proof dressing dissertation care of last week, we’re pretty sure one Charlotte Olympia has already begun practicing the trade.)

Bathe in green juice? If it’s that good for our interiors, it can’t be particularly bad for our exteriors?

Suggest dressing Amanda Bynes in head to toe Calvin Klein (we’d vet for a white pant suit)? It will indubitably mitigate her instability and make her feel far too regal to tweet such obscenities.

Shut your phone off for one day? Just one day. Come on, try it.

Host a seance with The Real Housewives of Beverly Hills but in doing so eschew their original intentions and convince them to help bring Michael Jackson back from the dead?

Use black lipstick as a thick, dewey black eye-liner and shadow?

Clip two necklaces together and wear them as a choker?

Or, skip that all together and pull a lampshade off your lamp, wear it around your neck and call it an improvisational Delfina Delettrez choker you’ve DIY’ed (Also a Vreelandian concept) to match your ailing dog?

Set up three Tinder dates for one night? I’m sure Vreeland would agree that it’s best to have a deluge of promising options at all times.

And finally – why don’t you wear a Maison Martin Margiela couture face mask to Soul Cycle? As Vreeland has famously declared, “a woman should always be elegant.”

Best friends Aino Jawo and Caroline Hjelt met at a party in 2009 and promptly formed Icona Pop. The Swedish duo’s unique brand of electro-pop has gained them industry recognition over the years. But its their most recent hit, the anthemic ‘I Don’t Care’ written by Patrik Berger, Linus Eklöw and Britain’s own, Charli XCX, that has catapulted them into mainstream consciousness.

With a new single and eventual album on the way, the two Swedes are definitely on the rise and set to prove there’s a lot more to them than their current hit. We caught up with Aino and Caroline to talk Sweden, style and stunts…

WHAT IS YOUR EARLIEST MUSICAL MEMORY?

A: My cousin played violin in Finland and I saw a concert with him and thought it was weird that he had a guitar on his shoulders. That’s the first thing I thought of when you asked me!

C: When I grew up my mum had Prince records so we were listening to him a lot and had all the LPs on our walls with his pretty face and his pretty bum in a thong! That must be my earliest memory.

YOU RELEASED AN ALBUM IN SWEDEN – HOW DO YOU THINK THE UK/US MARKET WILL RESPOND TO YOUR SOUND?

C: The only thing we can do is put out music we believe in. This album is our little baby and we are so proud. We can just hope. The response we have been getting in the US and the UK when we’ve been performing live has been such a warm welcome and it’s been so much fun, so I think it will be fine.

A: I think they will love it. The Swedish album is totally different, this is a new album, it’s not going to be the Swedish album that we will release to the rest of the world. I think people will love it – we do!

YOU’VE ALREADY BEEN SUCCESSFUL IN YOUR HOME COUNTRY – IS IT FRUSTRATING HAVING TO ALMOST START AGAIN FOR THE REST OF THE WORLD?

C: No for me it’s not frustrating. I think we are so used to travelling and never just working in one place or just one country, it’s always been New York for two days, Paris then Sweden, LA, UK… We just keep travelling and when it comes to performing live we are never sure of what kind of venue we’re playing, capacity etc. It’s always different. Sometimes there will be 30,000 people and sometimes there will be 200, and sometimes we will go to a place where no one knows who we are. That makes it fun and interesting and keeps us from taking stuff for granted. I see it as a challenge and I also think that yes, we have been known in Sweden for a long time, but now that we have been abroad so much when we came back we’re like “Hello!” and they’re like “Where have you been?” and we say “We’re back now!”

A: Yeah I think it’s nice. Sweden is a small country and it’s a little bit different from other countries so it’s nice to go to other cities and gain fans elsewhere.

THERE’S A PICTURE ON YOUR BLOG OF YOU BOTH ‘TRAIN SURFING’ – ISN’T THIS A BIT OF A DANGEROUS PASTIME? WOULD YOU CONSIDER YOURSELVES DAREDEVILS?

C: Yes. We love trying new stuff and as soon as things get a little bit too safe or calm we just throw ourselves out there and mix it up a little bit, and we always manage to get out alive!

A: It was pretty dangerous actually! The train was moving but we had a lot of safety nets, even though I would have done it without them. We had stunt men teaching us who were taking it really seriously and were like “Don’t jump if you don’t have the safety nets on you!”, which was good.

YOU HAVE A VERY STRONG IMAGE, HOW IMPORTANT IS YOUR LOOK AND DO YOU THINK IT DIRECTLY IMPACTS RECORD SALES?

C: I think everything goes hand in hand. Of course the music is the most important thing but for us, how we dress is a way of expressing ourselves.

A: We love to express ourselves and think it’s important that if you feel like expressing yourself through clothes then you should do it. We’re not slaves when it comes to following trends but of course it is important for us to put on stuff that we feel pretty in. Sometimes I feel like wearing high heels, sometimes I feel like wearing Doc Martins, I don’t think about it that much. We feel very honoured that people think that we have style.

WHO ARE YOUR STYLE ICONS?

C: David Bowie, Prince, and Patti Smith.

A: We both love Prince, I think he’s one of the biggest inspirations behind our style because we are all about mixing stuff up and we love the masculine meeting the feminine, and the punk style meeting the preppy style, anything that we can mix and match. For our music it is kind of the same.

THE EUROVISION SONG CONTEST WAS HELD IN YOUR HOME COUNTRY OF SWEDEN THIS YEAR – ARE YOU FANS AND WHAT IS YOUR ALL TIME FAVOURITE EUROVISION MOMENT?

C: I am not a fan of The Eurovision Song Contest, but I’m happy for everyone who wants to join it. It’s big and I don’t look down on it but it’s not my kind of thing. I think ‘Euphoria’ by Loreen was such a cool song though, she was amazing.

YOUR SONG ‘I LOVE IT’ WAS PERFORMED ON HIT TV SHOW GLEE – DO YOU FOLLOW THE SHOW AT ALL? HOW DO YOU FEEL ABOUT YOUR MUSIC BEING HEARD ON A PRIMETIME AMERICAN TELEVISION SHOW?

C: We don’t follow Glee but we have seen some episodes and we know that it is huge in the US. You always get very happy when someone wants to do another version of your song, because it’s refreshing to hear it in a totally different way and you’re like “Woah! I never thought of the song like this,” or when you see someone else performing it. So we like that.

A: I watched the episode when they performed our song which was cool. It’s fun to put your song in different situations and when people are singing it it gives you another perspective.

WHAT ARE YOUR WRITING HABITS LIKE – IS IT LYRICS FIRST, MELODY LATER OR DO YOU MIX IT UP?

A: We have a rule to not have a rule when we go into the studio, so it’s always different. I think it’s important just to be open because then the creativity comes naturally.

C: Yes it’s different every time. We mix it up, and I think we learned to write like that because we are constantly on the road. So sometimes we are recording in a closet, sometimes in a fancy studio. Sometimes I’ll sit and write a lyric on the plane and then we’ll finish it up together or vice versa. It’s all about feelings so it’s very easy.

WHICH EVENT FESTIVAL OR PERFORMANCE DATE ARE YOU MOST LOOKING FORWARD TO THIS YEAR?

C: Well we have so much to look forward to but we are going to kick off the whole US tour at Lolapalooza and I am very excited about that. We’ve never been there and it looks cool from all the pictures I’ve seen.

A: It’s going to be the biggest venue we have ever played, we love Chicago and it’s a lovely line up. Everything from Wild Belle who are friends of ours… there are a lot of good acts.

To find out more about Icona Pop, visit their website. 

The post Get To Know: Icona Pop appeared first on HUNGER TV.

Pacific Rim is HANDS DOWN the most metal movie ever made. A+++++++++++
— Kat Dennings (@OfficialKat) July 22, 2013

 
Contém spoilers. Prosseguir com cautela.

Em ‘Pacific Rim’ Postmortem: How Does It Stack Up Against Other American Kaiju Movies?, Evan Saathoff não consegue conter o entusiasmo no que toca ao filme de Guillermo del Toro: “this is the first time in modern cinema where someone put all of Hollywood’s resources into an all-out kaiju film and pretty much nailed it. If American kaiju films have a future, this is probably what it will look like.”

Já não me lembro se vi o Hellboy 2, mas vi o primeiro Hellboy e gostei bastante. O cinema idiossincrático de del Toro e a presença do Ron Pearlman trouxeram piada e emoção à história deste demónio com coração. Quando penso no cinema de Guillermo del Toro penso em criaturas estranhas e cenários fantásticos. A parte mais del-Toro-iana do filme é o amor aos monstros, presente não só nos detalhes visuais dos monstros destruidores e dos robôs protectores (Jaeger), mas também presente no carinho que a personagem do Charlie Day, em especial, tem pelos kaiju.

O realizador diz que o filme foi feito a pensar nas camadas mais jovens e em homenagem a todos os filmes de monstros que ele próprio viu ao crescer, chegando a dedicar o filme a Ray Harryhausen (o “titã dos efeitos especiais”) e Ishirô Honda (realizador de filmes kaiju e tokusatsu). Fun fact: no documentário sobre Harryhausen, Guillermo del Toro é entrevistado e presta o seu tributo.
Se não gostarem ver monstros gigantes a lutar contra robôs gigantes, este não é o filme para vocês. É um filme que vem da tradições dos filmes dos anos 50 e 70 sobre monstros que serviram de metáforas à ressaca da Segunda Grande Guerra, abrigos anti-bombas, ataques aéreos e bombas atómicas. O que é curioso dado que faz parte de um panorama de filmes que retira a sua iconografia, sobretudo, do 11 de Setembro (Man of Steel, Star Trek Into Darkness). No artigo Here There Be Monsters: Why Hollywood Should Keep Destroying Cities, do Indiewire, Sam Adams menciona quão diferente é a escala do habitual. A maioria dos filmes exibiria uma narrativa em crescendo, com a cena climática final como a composição mais assombrante. Mas isso é algo que é ligeiramente subvertido com a cena inicial — que envolve um kaiju e a Golden Gate Bridge — de forma a tentar estabelecer o tamanho e o tipo de violência e destruição que existirá ao longo do filme. Uma sequência que normalmente encerraria um outro filme (pela sua escala), começa este. Aliás, toda a sequência inicial serve para estabelecer a diferença incrível de escala entre humanos e kaiju.

Apesar de não ter as mesmas referências ao 9/11, Pacific Rim continua a fazer parte de um género de blockbuster a que Justin Chang chama “pornografia da aniquilação” (dadas as sequências de luta e destruição a escalas gigantescas); e isto mesmo enquanto reconhece o peso da tragédia dessa aniquilação e não encara de ânimo leve a morte. Continua a existir a mesma satisfação infantil em deitar prédios abaixo. No entanto, não é só pela homenagem a filmes como Godzilla/O Monstro do Oceano Pacífico (1954) que Pacific Rim se destaca do 9/11. O facto da ameaça ser à humanidade, e não apenas a uma cidade estado-unidense, resulta na união entre as nações do mundo e a localização do ponto de entrada das criaturas relocaliza a acção para Austrália, Tokyo e Hong Kong (ao invés da eterna Nova Iorque). A história de Pacific Rim tenta, igualmente, ser sobre algo que não a vingança ou a punição por traumas produzidos. Aliás, a personagem feminina principal — Mako Mori — é perigosa precisamente enquanto não consegue por esses sentimentos de parte.

E se este filme é essencialmente acerca de robôs e monstros a lutar uns contra os outros, é sobretudo uma homenagem a dois géneros narrativos japoneses: filmes kaiju e tokusatsu e anime mecha (vem de “meka” abreviação japonesa de “mechanical” em inglês).

Ora, segundos as minhas fontes (a wikipedia, sobretudo), tokusatsu é um termo japonês que se aplica a filmes onde há uma considerável utilização de efeitos especiais, género dentro do qual ficção científica e filmes de monstros (kaiju) se incluem. Kaiju são criaturas com origens misteriosas, sobretudo monstros (anti-natura) com dimensões imensas. São criaturas que podem estar apenas interessadas em destruir edifícios e estruturas, ou que podem servir de carne para canhão, manipuladas por um “greater evil”. É esta última versão que acontece no Pacific Rim.
(Spoiler-y)Mas kaiju são também utilizados enquanto personificações de uma natureza em revolta. Se nos anos 50 a 70, a ameaça era atómica e imprevisível, o filme de del Toro pega (levemente) nos nossos medos em relação ao nosso planeta (e se ao o destruir estaremos a convidar outros seres a aparecer). O conceito de uma Terra devastada por cataclismos ambientais provocados pela práticas poluentes da civilização está presente não só em Pacific Rim, como noutros filmes recentes: Man of Steel, After Earth, Elysium (incluindo o conceito de “terraformação”). Os kaiju, neste filme, representam o medo de algo que vem das profundezas determinado a atacar uma civilização comprometida e, ao mesmo tempo, uma ameaça global que possa unir a humanidade numa causa contra a qual lutar. NBD.

O género anime mecha envolve a utilização de robôs (ou armaduras robóticas) pilotadas por humanos em batalhas. Envolvem sempre narrativas fantásticas e complexas e possuem sequências de acção e luta em grande escala. Este género começa com o manga, de Mitsuteru Yokoyama, Tetsujin 28-go (1956). A versão anime chama-se Gigantor, e foi uma das (grandes) influências que del Toro cita para Pacific Rim e enquanto sua iconografia em criança. Dois exemplos máximos de anime Mecha são Gundam e Neon Genesis Evangelion (Evangelion ou Eva para os amigos). A complexidade que del Toro tenta gerar, em termos de narrativa, para Pacific Rim vem toda desta tradição de máquinas-que-são-controladas-por-pilotos-humanos, tornando o filme em algo mais que lutas sem fim entre entidades gigantes.

(Spoiler-y) Foi aqui que eu pedi ajuda a uma amiga que sabe tudo sobre all-things-japanese (obrigada, M.!) para comparar algumas das minúcias destas histórias. Contudo, não é justo comparar Pacific Rim a Evangelion, como um artigo sublinha, não só dado o grau de complexidade que este último possui, como nem sequer têm parecenças em termos estéticos. Aliás, os mecha de Pacific Rim têm muito mais semelhanças com o tipo de mecha que existe no Gundam. A ligação que existe é ao género Mecha enquanto conceito e não a este anime em particular. Por exemplo, a ligação que existe entre um Eva e o seu piloto é ultra complexa, dado que as almas das mães dos pilotos estão (de alguma forma) alojadas no Eva e, segundo o autor, Yoshiyuki Sadamoto, são os laços de amor (e o lado traumático dessa relação) o que funcionam como combustível (driving force) por trás da relação Eva/piloto. Esta é uma série meta sobre o dilema do ouriço — como me explicou a M. — e os desafios da intimidade humana, bem como a dor e o prazer que daí vêm.

A inovação de del Toro e Travis Beacham é a relação central não ser entre mecha/piloto mas entre os dois pilotos que controlam o mecha. Para o pilotar é necessário que os dois pilotos consigam entrar num estado de sintonia total. Esse estado é atingido por um processo chamado drifting — “a process that two pilots undergo prior to synchronizing with the Jaeger itself” — que é, basicamente, a fusão total das duas mentes, em que sentem o que o outro pensa e conhecem todas as suas memórias. É o estado mais íntimo possível, duas pessoas conhecerem-se totalmente. E nas linhas de descentralização de que falei acima, o grande tema de Pacific Rim é a colaboração ser o único caminho para a espécie humana, tanto entre nações (para proteger o planeta), quanto entre seres humanos, em relações dois a dois. As personagens principais do filme — Raleigh Beckett e Mako Mori — são duas pessoas traumatizadas. Beckett pela morte do irmão ainda no estado de drifting (logo traumatizado pela intimidade e proximidade com um “outro” que morre); Mori traumatizada por um ataque de um Kaiju do qual resultou a morte dos pais. A sua sede de vingança e a sua obsessão com essa memória torna-na uma entidade perigosa que só poderá pilotar o mecha — em conjunto com um outro —, logo ajudar a sobrevivência da humanidade, quando consegue ultrapassar o seu próprio trauma. É Mori (apesar das poucas falas que tem) que tem a verdadeira viagem do herói, neste filme.

Pensamentos extra:

• O melhor que a humanidade, em conjunto, encontrou para lutar contra monstros gigantes foi robôs igualmente gigantes que apenas lhes dão murros fortíssimos? E as armas? Os Jaeger tem armas como canhões, mísseis e espadas, mas parecem só os usar em último recurso. O que não faz muito sentido, dado que para impedir a sua própria destruição seria muito mais útil a espada aparecer no início de um combate e não no fim.
• Os prédios que caiem e/ou são destruídos parecem totalmente vazios de pessoas (que provavelmente se encontram num dos abrigos como o que a personagem do Charlie Day utiliza). Nunca se vêem corpos na destruição ou sangue humano. Isto reverte para o que del Toro diz ser a sua vontade de não impedir que a audiência se divirta durante este filme.
• O filme começa in media res, passando totalmente à frente do que pudesse ser uma “origin story”, que será futuramente escrita em forma de banda desenhada pelo argumentista do filme, Travis Beacham (que também escreveu o Clash of the Titans).
• As batalhas são tratadas de uma forma tão íntima e próxima que perdemos a noção da dimensão do que se está a passar, especialmente nas batalhas do oceano. Perde-se, e o filme ressente-se por isso, a noção da escala, dado que esta é normalizada. Também não ajuda serem batalhas intermináveis que se tornam, honestamente, aborrecidas.
• Para alguns críticos, este exercício de Del Toro é um vazio por não ser: “campy enough, not funny enough to be that entertaining, or bloody enough”. Apesar de pegar nestas tradições de género, o filme foi considerado inexpressivo — assim como os seus actores — com batalhas ruidosas mas espacialmente incoerentes.

För ett år sedan.

Såg jag ut såhär.

Kom den här gullisen och hälsade på mig i en månad i New York och bodde ihop med mig.

Och så var vi på dagsfest i Queens med det här gänget.

Och på båtfest runt Manhattan och dansade i spöregn på ett däck mitt i natten.

För två år sedan.

Såg jag ut såhär.

Var jag i Stockholm på semester i en vecka från New York och vi hade picknick på Blasieholmen.

Och så åt jag pelle janzon på Tranan, vilket är en av mina favvorätter.

För tre år sedan.

Såg jag ut såhär.

Var jag i New York med det här gänget men framförallt planerade jag och Nina att flytta dit så allt kändes megaspännande hela tiden.

För fyra år sedan.

Såg jag ut såhär.

Var jag i New York på semester med de här fina. Vi hyrde ett hus i Williamsburg.

allt var pepp och fest för jämnan förstås.

För fem år sedan.

såg jag ut såhär.

var jag i New York på semester igen (älskar den där himla staden). Vi bodde längre in i Brooklyn i den här finfina lägenheten.

vi firade sebastians födelsedag och massa annat bra.

För sex år sedan.

såg jag ut såhär.

och var i New York då med! I tre månader med Julia och Michelle.

allt var pepp och fest och dans för jämnan, här är vi på samma utomhusklubb i brooklyn som jag var på 2012.

för sju år sedan.

såg jag ut såhär.

och var på semester i ett supervarmt men fantastiskt Tokyo.

Känner att man kan dra slutsatsen utifrån det här att jag egentligen borde hålla hus i new york 4-ever and ever.

Translation. 7 end of july’s, start from 2012 back to 2006. Read the captions by clicking ”in english” below FAQ.

Because it's Monday and we don't want to work yet.

Vilken dag är det idag?
Det vet ni redan, och vet ni inte har ni hamnat i ett sån där fantastisk semestervärld där man inte ens bryr sig om det är förmiddag eller eftermiddag och då ska jag förstås låta er vara i den.

Om du var en emoji vilken skulle du vara då?
Michelle säger att jag är den här

Vad ska du göra ikväll?

Jag ska äta middag med Erik och Marie som är i Sverige! De är ett par favvisar från New York.

Säg två bra uttryck:
pulver och ja tack.

Vad blir du glad av få höra att du är?
Blir gladast när folk tycker om det jag skriver.

Visa en bild du inte minns ha tagits:

här var jag full helt enkelt.

Vem saknar du?

New York, om det kan räknas som ett ”vem”. Kanske inte, men det gör inget. Jag saknar New York i alla fall.

En bild på något som är asbra att ha:

gulliga tändstickor förstås!

En outfit som är ovanlig för dig att ha på dig:

Sailor Moon-hår skulle det väl vara då.

Vad vill du ha?
Ett mediavisum till USA, en lägenhet i Stockholm, en liten hund, den perfekta bomberjackan, nya Dr Martens, en jeansklänning, nya säsongen av Breaking Bad, en flygbiljett till Tokyo, en rolig plan för nyårsafton.

Vad tycker du är roligt?
Sommaren! Den är roligast av allt som finns.

Vad är du dålig på?
Göra saker i tid.

Vad tänker du baka i veckan?
Ingenting alls. Bakar i princip aldrig. Men om jag var TVUNGEN att baka så skulle jag baka om det här brödet jag gjorde i oktober förra året. Helskotta vad gott det var.

Hur ser du ut när du är nyvaken?

SÅ TRÖTT.

Vem gillar du just nu?
en person med megafin dialekt och de bästa framtänderna jag sett.

Vad var det första du snodde?
i livet? ingen aning. godis i mataffären kanske.

En bild då du dricker alkohol:

Vad har du tänkt göra länge men ej gjort?

Bo i Tokyo!

Vad bävar du inför?
Livet typ. Hur det ska gå med allting. Att jag inte har ett kontor att gå till om morgnarna, att allt kommer gå åt helvete. Typ så.

Vad händer i helgen?
Tänkte nog hänga på Trädgården som vanligt och peppa för WoW!

Är listan slut?
japp.

listan snodd från eminienta fröken hanapee.

Translation: Please read in google translate by clicking ”in english” below FAQ.

09.00.
Vaknar och äter frukost. Yoghurt med bär och nötter och ett kokt ägg.

10.00
Läser och badar. Den här boken alltså, så väldigt fin. Den ska vi återkomma till en annan dag.

11.00
Gör mig iordning för biltur med min mamma.

12.00
Vi åker till Cannes för att strosa runt i affärer och äta lunch.

13.00
Fullt med fina hus överallt i Cannes.

14.00
Dags för lunch. Jag beställer en carbonara som är SÅ bra. Det är det lite farliga med att beställa det på restaurang (om man är en carbonaraknarkare alltså), nästan alltid är det för mycket grädde i. Men precis så här ska en god carbonara vara tycker jag, inte såsig utan nästan brödsmulig av parmesanen. gah.

15.00
Vi spanar i lite mer affärer, jag köper till exempel en ny ögonbrynspenna och en ny vit ögonpenna. Och en halsduk på Zara. Även om man kan låtsas att det är sommar förevigt vet man ju någonstans att man snart kommer frysa ihjäl igen. Kul det ska bli :(((

16.00
Vi fyratiden håller vi på att dö av värmeslag och ont i fötterna och bestämmer oss för att bege oss hem igen.

17.00
Eller sedan ångrar vi oss och stannar i Juan Les Pins en liten stund. Bland annat för att köpa blommor.

18.00
Vi är megasugna på dumplings och bestämmer således att det blir kvällens middag. Bland annat de här goda med räkor i.

18.30
Och så åker vi hem till Cap d’Antibes igen.

19.00
Hemma! Milla är galen av lycklighet där i bakgrunden för att hon trodde att vi skulle överge henne 4-ever.

20.00
Matdags. Min lillebror är där med två kompisar så mycket mat blir det. Apelsinkyckling, nudlar med räkor, dumplings, wokade grönsaker och någon till kycklinghistoria med såna där goda svampar som ser ut som förkolnade öron :O

Dumplingssnäckor. <3

21.00
Efter maten får alla varsin lyckokaka. I min står det ungefär ”The secret of happiness is to admire without lust”. Så nu vet ni det.

21.15
Sedan vill Milla bada. Det får hon.

22.00
Min mamma skjutsar min bror och hans kompisar till Juan Les Pins så de kan dricka sliskiga drinkar etc. Jag och Milla leker på gräsmattan lite och så blir det mörkt.

23.00
Avslutar dagen med ett sista dopp. Klart slut.

Translation. Please read the captions by clicking ”in english” below FAQ.

Eight Online Series for Your Art-Hungry Eyes (Hyperallergic)

A Hyperallergic escolheu oito óptimas séries sobre arte para verem nas férias ou para guardarem para o regresso do frio. Conheço bem a da Art21 e  a da Tate e recomendo. Estou ansiosa por ver a série The Art of Punk da MOCATv e todos os episódios da Tate (são curtinhos).— Francisca

Kenneth Anger: how I made Lucifer Rising (The Guardian)

Kenneth Anger fala sobre o seu clássico de 1966  e sobre as  histórias obscuras que lhe estão associadas e desmonta os mitos que o cercam.  I think all drugs are crutches – you don’t need them to be creative.— Francisca

Slavoj Žižek on The Act of Killing and the modern trend of “privatising public space” (NewStatesmen)

O olhar do brilhante Slavoj Žižek sobre a sociedade exibicionista ou a ‘privatização do espaço público’, a partir do obsceno documentário indonésio, The Act of Killing.— Francisca

Difficult Women: How “Sex and the City” lost its good name (The New Yorker)

A Emily Nussbaum escreve uma peça magnífica sobre como a série O Sexo e a Cidade perdeu a sua reputação e passou de MVP da HBO para exemplo do qual outras séries se querem afastar. Se é verdade que a série em questão se perdeu numa sucessão de vestidos e sapatos que desfilavam pelo ecrã, também é verdade que a Carrie Bradshaw foi a primeira anti-heroína na televisão americana. Eram personagens complexas e os episódios levantavam questões pertinentes, para além de ser uma série que falava de sexo de uma maneira franca (e, até à altura, não vista). Era uma série que dizia que — num mundo de personagens femininas cuja validade depende de existir um homem nas suas vidas — é ok ser solteira. Fabuloso, até.— Ana

France’s ‘lost generation’ of jobless youth finds film portrait in Juliette (The Guardian)

Juliette é um filme sobre adulescentes: adultos adolescentes. Conta a história de uma jovem que adia (indefinidamente?) o momento em que tem de se tornar responsável pela sua própria vida e, numa palavra, crescer. É descrito como um dos filmes que ilustra a presente angústia sentida pela juventude europeia, numa altura de crise profunda.— Ana

Bounding ‘Round Town: Noah Baumbach & Greta Gerwig’s “Frances Ha” (Notebook)

Vi o Frances Ha no último dia da mais recente edição do IndieLisboa. Dentro da mesma veia de Juliette,  também é sobre o período de deriva dos vinte-e-muitos em que ainda não és o adulto que pensavas que já serias nesta altura. Ryland Walker Knight, que escreve este artigo, sentiu a mesma magia e doçura que eu ao ver este filme. Pontos extra por ser um filme sobre duas amigas e sair um bocadinho dos moldes normais de raparigas-que-se-definem-pelas-relações-com-rapazes. A Frances talvez seja “undatable”, mas é profundamente lovable.— Ana

All My Exes Live in Texts: Why the Social Media Generation Never Really Breaks Up (The Cut)

Antigamente, os namoros acabavam e, com sorte e algum jogo de cintura, as pessoas nunca mais se viam. Podíamos sempre mudar de amigos, de restaurante favorito e até de cidade – caso a coisa tivesse acabado mesmo mal. Eu já não sou desse tempo, aliás, sou cada vez menos desse tempo. Para além do FOMO, cada vez que abrimos o Instagram temos medo do que vamos encontrar: uma foto em Earlybird com a nova namorada no “nosso” restaurante; aquele evento para o qual fomos convidadas no Facebook - e queríamos tanto ir, mas vemos que ele já confirmou presença ( e já não vamos, nem pensar!) Ou o seu novo emprego, em destaque no Linkedin (já agora, parabéns!). Ex-namorados estão em toda a parte. Para sempre. E, às vezes, até fazem like. - Maria

A roaring success: LOVE for a true fashion bible (The Independent)

Lembram-se do significado de mashnotes? Pois bem, este artigo do The Independent, é uma dessas cartas de amor, notas elogiosas, efusivas e sentimentais, dirigida a Katie Grand e à sua revista LOVE, que, segunda-feira, lança a sua décima edição. Se não a conhecem, comecem por ler este artigo. Se já são fãs, deixem que Alexander Fury vos recorde porquê. - Maria

Why Is the World So Shocked by Kate Middleton’s Belly? (NY Mag)

Sim, porquê?!!! Confesso que também eu, quando vi as imagens, fiquei chocada por uns segundos, mas poucos. De seguida, levantei-me e fiz uma vénia a esta mulher que decidiu por os pontos nos i’s. Obrigada, Kate. - Maria